'코다(CODA)'는 'Children of Deaf Adults'의 약자로, 청각장애 부모를 둔 자녀를 의미합니다. 이 작품은 단순한 가족 드라마를 넘어선, 감각적이고도 치밀한 감성 서사로 전 세계 관객을 울린 수작입니다. 청각장애라는 소재를 소비적인 방식이 아닌 진정성 있는 시선으로 접근하며, 인간 내면의 고독, 연대, 자아를 섬세하게 그려낸 점이 인상적입니다. 본 리뷰에서는 오스카 수상작으로서의 예술성과 사회적 메시지, 청각장애를 다룬 방식의 영화적 미학, 그리고 루비의 성장 서사가 던지는 의미를 전문적인 시각에서 다뤄보고자 합니다.
오스카가 사랑한 이유 (오스카)
2022년 아카데미 시상식에서 '코다'는 작품상, 각색상, 남우조연상을 수상하며 세계 영화계에 한 획을 그었습니다. 이는 단순히 트로피의 문제가 아니라, 오스카의 가치 기준이 어떻게 변화하고 있는지를 반영하는 상징적인 사건이라 할 수 있습니다. 최근 몇 년 간 아카데미는 다양성과 포용성의 중요성을 강조해 왔으며, '코다'는 그러한 흐름 속에서 가장 적절한 응답이었습니다. 영화는 장애인을 ‘극복’의 대상으로 소비하지 않고, 그들의 일상을 중심에 놓습니다.
특히 실제 청각장애 배우를 기용함으로써 리얼리티를 확보한 점은 인상적입니다. 각색상 수상의 배경에는 탄탄한 극본 구조가 있습니다. '코다'는 프랑스 영화 'La Famille Bélier'를 원작으로 하되, 미국적 감성과 가족 문화, 음악이라는 요소를 적절히 버무려 독립적인 작품으로 재창조되었습니다. 대사 한 줄, 표정 하나에도 서사가 실리는 치밀한 연출은, 대중성과 예술성을 동시에 충족시키는 진귀한 사례라 볼 수 있습니다.
감동은 강요되지 않고, 인물의 선택과 성장을 통해 자연스럽게 발생합니다. 또한, 오스카는 이 영화가 가진 사회적 메시지에도 주목했습니다. 청각장애를 가진 가족 구성원과 유일하게 소리를 들을 수 있는 딸의 갈등은 단순히 개인의 문제를 넘어, 공동체와 자아, 포용과 독립이라는 보편적인 화두로 확장됩니다.
이러한 이야기 구조 속에서 관객은 자연스럽게 ‘듣는다는 것’, ‘이해한다는 것’의 본질에 대해 고민하게 됩니다. 이는 오스카가 추구하는 예술적 완성도와 사회적 메시지를 동시에 만족시키는 완벽한 교차점이라 할 수 있습니다.
청각장애와 현실감 있는 연출 (청각장애)
'코다'의 가장 혁신적인 점은 청각장애라는 주제를 다루는 방식에 있습니다. 많은 영화들이 장애를 극복 서사의 도구로 삼는 데 반해, '코다'는 청각장애를 하나의 '다른 삶의 방식'으로 다룹니다. 이는 단순한 시선의 차이를 넘어, 영화 연출 전반에 깊이 스며든 철학적 태도라 할 수 있습니다.
사운드를 제거한 장면, 수화 중심의 커뮤니케이션, 시각적 정보의 극대화 등은 청각장애인의 세계를 관객이 간접 체험할 수 있도록 설계되었습니다. 가장 인상적인 장면 중 하나는 루비가 무대에서 노래를 부를 때, 카메라는 그녀의 부모의 시선으로 전환하며, 사운드를 완전히 제거합니다. 이때 관객은 ‘무음’이라는 충격 속에서, 이전에는 인지하지 못했던 시각적 요소(손의 떨림, 호흡, 눈빛의 흐름 등)에 집중하게 됩니다.
이는 단순한 기술적 기교를 넘어, 영화 언어의 재구성을 통한 서사의 확장이라 평가할 수 있습니다. 소리가 없는 장면은 오히려 가장 강한 정서적 울림을 만들어냅니다. 또한 영화는 청각장애 가족의 일상을 진부하게 묘사하지 않습니다. 낙천적이고 때로는 유머러스한 그들의 모습은 장애를 특별한 것이 아닌, ‘삶의 하나의 방식’으로 받아들이게 만듭니다. 이는 관객에게 장애에 대한 인식을 새롭게 구성하게 만들며, 특히 수화가 단순한 ‘대체 수단’이 아닌 감정을 표현하는 하나의 언어임을 보여주는 장면들에서 깊은 감동을 선사합니다.
연출적으로도 주목할 점은, 소리의 부재가 오히려 ‘청각’의 존재를 더 선명하게 부각한다는 점입니다. 이 영화는 ‘듣지 못함’이 아니라, ‘다르게 듣는 삶’을 이야기합니다. 이는 기술과 감성이 만나는 지점이며, 진정한 의미의 영화적 체험이라 할 수 있습니다.
루비의 성장과 자아 찾기 (성장)
'코다'는 단순한 청소년 성장 드라마가 아닙니다. 이 영화에서 루비의 성장은 가족과의 분리 혹은 독립이라는 전통적 플롯을 따르기보다는, 공동체 속에서 자신의 정체성을 어떻게 구축할 것인가에 대한 질문을 던집니다. 그녀는 청각장애 가족 안에서 유일하게 소리를 들을 수 있는 존재로, 가족과 사회를 연결하는 다리 역할을 하며 살아왔습니다. 그러나 그녀에게도 개인의 욕망과 꿈, 정체성이 존재한다는 사실이 이 영화의 핵심 서사를 이끕니다.
루비의 갈등은 단순히 음악과 가족 중 하나를 선택하는 문제가 아닙니다. 그것은 ‘가족에게 헌신하며 살아야 하는가’, 혹은 ‘자신의 꿈을 좇는 것이 이기적인 선택인가’라는 근본적인 윤리적 딜레마를 품고 있습니다. 이는 많은 청년들이 겪는 정체성의 혼란, 사회적 역할에 대한 불안과도 닿아있습니다. 특히 그녀가 음악을 통해 자신을 표현하고자 할 때, 가족은 그 음악을 들을 수 없다는 아이러니는 이 영화의 가장 정서적으로 복합적인 지점입니다.
영화의 하이라이트인 버클리 음대 오디션 장면은 그녀의 내면이 폭발하는 순간입니다. 수화와 노래를 병행하는 퍼포먼스를 통해, 루비는 ‘나의 언어’로 세상과 소통합니다. 이는 그녀가 단지 가족의 통역자가 아닌, 하나의 독립된 인격체로 성장했음을 상징합니다. 이 장면은 단순한 감정의 카타르시스를 넘어서, 예술을 통한 자아 발견이라는 영화의 중심 테마를 응축한 미장센이라 할 수 있습니다.
이렇듯 '코다'는 루비의 성장 서사를 통해 ‘개인의 삶과 공동체의 연대는 반드시 충돌해야 하는가’라는 철학적 질문을 던집니다. 그녀는 가족을 버리지 않고도 자신의 삶을 선택할 수 있으며, 이는 현대 사회가 지향해야 할 새로운 자아 개념을 제시하는 대목입니다. '코다'의 진정한 감동은 바로 이 균형과 성숙함에서 비롯됩니다.
결론
'코다'는 단순한 음악영화도, 장애영화도 아닌, 모든 인간이 겪는 소통과 이해의 문제를 정면으로 바라본 작품입니다. 이 영화는 장애에 대한 동정이 아닌 이해를, 가족에 대한 희생이 아닌 연대를, 그리고 음악을 통한 감정의 해방을 정교하게 엮어냅니다. 청각이라는 감각이 사라진 자리에 우리는 진심을 듣게 되며, 이 영화는 그 과정을 깊고도 조용하게 안내합니다. 지금 이 순간, ‘진심을 듣는 법’을 배우고 싶다면, '코다'는 가장 좋은 교과서가 되어줄 것입니다.